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绘画作品的艺术语言解析

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白俄罗斯裔法国画家,“超现实派”的代表人物马克•夏加尔(Marcchagall,1887—1985)在20世纪诸多杰出的画家之中颇具个性,这很大程度上来源于夏加尔复杂的文化背景,他本人具有犹太血统并深受犹太教的影响,尽管最终定居巴黎但在东欧的成长历程又使得他深入接触了东正教,而年幼时在维切布斯克的贫寒生活又赋予了他一整套天真淳朴的民间传说,奠定了夏加尔带有梦幻性的艺术幻想风格。在夏加尔的作品之中,不难看到印象派、立体派对他的影响,但夏加尔又游离于这些派别之外,以自己极富象征意味的、无拘无束的、带有强烈主观诉说的艺术语言屹立于现代绘画史中。可以说,夏加尔的艺术作品之所以让人感到震撼却又难以索解,很大一部分原因就是因为夏加尔立足于两种文化之间,在这两种文化的洗礼下他所产生的心灵情感和宝贵记忆是他人难以全面解析的。但是这并不妨碍人们根据夏加尔作品之中的造型、构图与色彩运用来进入这位艺术家的审美天地,并为其他现代艺术家在对自己绘画语言的丰富上提供某种有意义的借鉴。

一、极富象征意味的符号设置

夏加尔曾经对自己具有超现实意味的画风进行辩解。他说绝大多数人认为他的画充斥着天马行空的想象,而这种判定却是不准确的,夏加尔本人坚称他是在进行写实,只是他所“写”的“实”是自己的心灵真实,是外人无法进入和评判的角落。夏加尔认为,自己内心世界的情感情绪并非是无中生有的,它们来源于现实世界甚至比现实世界还要现实。因此对于夏加尔的艺术语言进行解读,最首要的便是理出他作品中现实真实与心灵真实的契合点,而这把关键的钥匙就在那些极富象征意味的符号中。

以夏加尔对故乡维切布斯克的深切怀念为例,夏加尔使用丰富的意象来定位自己的故乡,寄托自己的思乡之情,尤其是在故乡已经发生沧海桑田之变后,夏加尔反而对这些意象更为坚守。故乡对于夏加尔来说是一个充满了美好回忆的地方,故乡中洋溢着的淳朴、欢愉、粗犷的俄罗斯民间气息贯穿了夏加尔的整个艺术生涯。在一战爆发之后不久,俄国又在1917年先后爆发了第一次革命和第二次革命,沙皇政府为苏维埃布尔什维克政权取代,在这风雨飘荡之际夏加尔却选择回到故乡,并坚持自己的绘画。然而此时的故乡已经经历了翻天覆地的变迁,夏加尔此时的创作如《拿着花束与酒杯的二重肖像》《散步》等与其说是对当时苏联环境的体现,倒不如说是夏加尔对过去故乡的一种一厢情愿的缅怀。以《我与村庄》为例,在作品中,母牛与人的侧脸分别占据了画面的左右两边,母牛有着水汪汪的大眼睛,人的表情也祥和而轻松,母牛的脸部还有另一只正在被挤奶的小牛,并且牛和人的颈部都佩戴着珍珠串成的十字架,一条粉红色的道路自左下角向右上角延伸,路的尽头是一座座五颜六色的教堂形状的小房子,路上有拿着劳动工具的男人与女人。人牛戴的十字架,被画成圆顶教堂的房子代表了故乡村镇浓郁的宗教气息。人的面部呈现绿色,而手里拿着的一株植物幼苗却散发着圣洁的白光,这与人牛互相对视一起,意味着故乡自然界与人类文明之间的和谐,世间万物之间存在着一种温情脉脉的普遍大爱。在夏加尔的许多作品之中,牛和圆顶教堂屋子大量出现,配合以行进、劳作的人们,这些符号都是夏加尔对故乡最为深刻的印象。对于那个已经一去不复返的平静的维切布斯克,夏加尔进行了分解,将故乡浓缩为几个具有代表性的符号,再将它们重构进画作中。

二、无拘无束的空间构图

在画面的构图上,夏加尔显示出了一种强烈的自由意识,他自己就曾经坦承自己之所以画一个手提着牛奶桶在天空中飞翔而头和身体是分开的女性形象,很大一部分原因是因为他觉得头在构图上更适合出现在另一个位置。对于传统的学院派画家来说,在表现外物时一般都要遵循着物理意义上的严谨模式,强调某种准确与还原。早期的夏加尔也遵循着焦点透视的准则,在他于1908年创作的《死者》中就可见一斑,画面中的街道基本上还是符合现实街市之景的,但是随着人生阅历的不断增长,尤其是在1910年之后,夏加尔在盛行着“立体主义”代表人物塞尚,“野兽主义”代表人物马蒂斯的巴黎接受到了与家乡完全不同的表现方式,夏加尔开始有意打破这种束缚,他让人物在画面之中随意漂浮、飞翔,让建筑物呈现出倒立的姿态等等,现实世界中空间的秩序被夏加尔重构了。这种思维也与夏加尔在巴黎之时与诗人纪尧姆•阿波利奈尔、布莱斯•桑德拉尔的密切交往有关,诗人在写作中的大胆想象也激发了夏加尔的灵感。这也就是为何夏加尔的作品极具表现力的原因,他作品之中的空间并不是客观空间,而是经过改造后的,更具有创意,更贴合人们的审美理想的空间。如在《三支蜡烛》之中,夏加尔通过构图来充分展示了爱情的甜美与快乐。画面之中左下角是三根柱子一般高耸的蜡烛,在第二根蜡烛之下跪卧着一头表情安详的小牛,地面是红色土地与小镇的房子,天上飞舞着长着白色翅膀的小天使,右下角一个小丑式的人在吹着风笛。而画面的主要部分是男女主人公,他们相互拥抱着漂浮在半空中,地上的小人们指指点点,两人表情满足地凝视人世。夏加尔因为与美丽的爱妻贝尔之间感情深挚,因此极喜欢用漂浮的方式来表现爱情的美好,在爱情的充盈之下,人能够脱离凡尘的束缚进行游荡,相依相偎,而四周则有天使来表示对他们神圣结合的肯定与祝福。这也就是为什么夏加尔有着“上帝特意降落凡尘来歌颂爱情的小提琴手”这一美誉的原因。在画面之中,拥有爱的人是可以飞翔的,代表了光明的蜡烛是远远大于房子的,无论是天亦或地面都是波浪形,小天使们的姿态都是游动状的,爱情的享受性和温暖被直率地表现了出来。

三、浓烈主观的色彩运用

夏加尔的不拘一格并不仅仅体现在空间构图上,在他的作品之中人们还可以感受到丰富的、鲜艳的且具有强烈主观意识的色彩运用。在夏加尔看来,色彩是自己对内心情感进行表达的重要方式,他不愿意如伦勃朗一般对客观物体采取一种保守的、有距离感的还原方式,而是要脱离“写实”的框架,以色彩给人以强烈的视觉冲击,而事物原本的色彩则并不重要,重要的是人与审美客体之间建立情感联系后的“情趣”:“作为物质存在的色彩经过调和,便能转化为人们精神上的一种情趣。”如夏加尔笔下的人像的头部既可以是粉红色的,也可以是绿色的,同一个小木屋在不同的作品中分别为蓝色和红色等,一切仅取决于画家想要传达出来的某种概念。另外,夏加尔进行创作的时代正是现代艺术占据了主流之时,梵高、高更与野兽派等在色彩运用上的奔放都对夏加尔有着深刻的影响,以至于夏加尔极为重视画面色彩语言的华丽、浓郁,流畅且富有光辉。

如在《失坠的天使》中,画面主要运用了蓝色、黑色、红色、白色以及黄色。其中最为醒目的便是通体鲜红的天使,整个背景基本上都是极为黯淡的,天幕为黑暗所笼罩,除天使和怀抱小孩的圣母之外的人面部均为蓝色,衣着为深黑或蓝黑,天使便是在这一片黑暗之中头下脚上,翅膀张开地往下坠,其姿态本身已令人触目惊心,而天使全身的红色更是极容易让人联想到鲜血。黑色西服和礼帽被认为是犹太人的传统服装,而蓝色和白色被认为是犹太人的象征性颜色,犹太人曾经戴蓝色小帽而被称为“蓝帽回回”。而蓝色在西方又意味着忧郁,夏加尔将神色紧张的神父和因天使的坠地被震到空中的持手杖者面部都呈现蓝色,神父手中抱着的宗教经卷大大超过了实物的大小,以至于让画面的左下角有一块巨大的白色,天使下方还有一把象征了艺术的蓝色小提琴,这些无疑都彰显了画中人的犹太身份。而与天使低垂的头相对应的是一只黄色的昂首小牛,小牛头上则是一轮小小的黄色圆月,这一抹黄色则为画面增添了几许神秘而又难以捉摸之感。整幅画以天使的下落以及制造出的混乱、紧张反映了犹太人一直以来受到的歧视与迫害。尽管夏加尔本人并不信仰犹太教,因为根据犹太教的教义绘画是不被推崇的,但是这个族群的悲惨命运尤其是在二战之后所遭受的空前折磨仍然触动着本身就有着悲剧情结的夏加尔的内心。《失坠的天使》就是对犹太人被驱逐和屠杀,犹太教被贬低的状态的一种直观表现,画面中的色彩运用是现实人间悲剧的写照。

夏加尔曾经表示,艺术是一种与血液和生命同在的事物。在夏加尔的一生之中,他受到如莫奈、勃拉克、马蒂斯等多种艺术流派和艺术技法的影响,创造出了一套属于自己的艺术母题和语言,最大限度地从符号组合、空间重构和色彩运用之中释放出了画家的主观意志,为人类贡献出了感人肺腑的佳作。夏加尔这种在艺术创造中的独到见解和自由表现力也势必深刻地影响着后世画家的艺术思维。

作者:叶岐生 单位:西京学院

绘画作品的艺术语言解析责任编辑:杨雪    阅读:人次